lI film si apre con una sequenza di villette colorate, prati verdi e aiuole in fiore. In apparenza una ridente cittadina americana, dall’aspetto gentile e tranquillo, incarnato dal pompiere sorridente che ci saluta sia all’inizio che alla fine del film. Una rappresentazione idilliaca che in realtà nasconde dinamiche tossiche e persone disturbate. Lynch usa i classici stilemi del giallo per esplorare temi più universali come la natura ambigua del desiderio umano e il rapporto di potere tra vittima e carnefice, con particolare riferimento alla violenza sulle donne. Il personaggio di Frank, tra i più crudeli del cinema di Lynch, è l’incarnazione del male più folle e imprevedibile, una figura che sovverte ogni ordine e fa marcire ogni cosa che intercetta.

Con lui Lynch sembra volerci suggerire che il male non è qualcosa di esterno da combattere, ma è intrinseco della condizione umana. Ci ricorda che luce e oscurità coesistono, si mescolano e si confondono conducendoci in una profonda riflessione sulla dicotomia dell’essere. Partendo dal personaggio di Jeffrey che si ritrova tra la tenerezza del rapporto con Sandy e la pericolosa attrazione che prova per Dorothy. Fino alla scena finale in cui un pettirosso porta un insetto nel becco, immagine emblematica simbolo di speranza ma anche promemoria della brutalità che è parte integrante della natura.

Un noir atipico che non offre risposte facili o morali preconfezionate. Al contrario, invita lo spettatore a convivere con il disagio, accettare l’imperfezione e trovare la bellezza anche nell’ignoto. La fascinazione per il mistero, la sessualità perversa e gli elementi onirici sono temi che si ripetono nel cinema di Lynch. E che contribuiscono a evocare un senso di spaesamento nello spettatore, che raggiungerà il culmine nei suoi lavori successivi come Strade Perdute (1997) e Mulholland Drive (2001).

Non è tanto la trama o la caratterizzazione dei personaggi, quanto il sottile gioco di simbolismi, primi piani densi sui volti e melodie inquietanti a rendere quest’opera un unicum nella storia del cinema. Un’atmosfera disturbante, a tratti grottesca, che conferisce al film una tensione costante destinata a rimanerci addosso ben oltre i titoli di coda. Velluto Blu sembra seguire una logica emotiva piuttosto che narrativa dove, la fotografia di Frederick Elmes, giocata sul blu e sul rosso tra il nitido e lo sporco. E le composizioni di Angelo Badalamenti (prima collaborazione tra i due maestri che nel tempo ha ridefinito il concetto di colonna sonora) sembrano essere in simbiosi, creando una dimensione inquietante, a volte confortevole e al contempo erotica.

Quello di Lynch è prima di tutto un cinema sensoriale in cui ogni inquadratura sembra sospesa in un tempo distorto dove sono i suoni, le espressioni e i simboli a raccontarci il non detto, lasciando allo spettatore spazio per immergersi in realtà alternative. Ma anche un cinema di contrasti dove il confine tra piacere e dolore, desiderio e violenza, realtà e sogno, è quasi impercettibile. Ciò che vediamo non è mai quello che sembra: così Lynch sfida noi e la società americana dell’epoca, ad andare oltre, a non fermarsi alla superficie e a non accontentarsi di ciò che abbiamo davanti. E’ in questa incertezza e oscillazione costante che sta il fascino di Velluto Blu, una fiaba ipnotica e imprevedibile capace di turbare, disorientare e sedurre al tempo stesso.   (di Valeria Furlan - Moviemag)